ATFG - Antony

Amis du Théâtre Firmin Gémier

Actualités théâtrales et culturelles

Eté-Automne 2008

• La Sélection théâtrale de l'ATFG - 4ème trimestre 2008. 

• Oups ! par la Compagnie Max et Maurice.

• Les Communistes et leur "Silence", à Malakoff, Jean-Pierre Vincent, Pierre Ascaride, Wajdi Mouawad.  Avec Ariane Ascaride.

• Seuls, de et par Wajdi Mouawad, à Malakoff.

• L'Augmentation de Georges Pérec, mise en scène d'Anne-Laure Liégeois, au Théâtre Firmin Gémier d'Antony.

• Le Cirque là, Cirque Aïtal, Espace Cirque d'Antony

La Sélection théâtrale  de l'ATFG - 4ème Trimestre 2008

Evenements

par la Compagnie Max et Maurice 

Le Silence des Communistes, 

d'après Vittorio Foa, Miriam Mafai et Alfredo Reichlin, 

mise en scène de Jean-Pierre Vincent 

Le Silence des Communistes,

d'après Vittorio Foa, Miriam Mafai et Alfredo Reichlin,

mise en espace de Jean-Pierre Vincent 

d'après Luca Ronconi

avec
Caroline ChaniolleauJean-Claude LeguayCharlie Nelson

dramaturgie
Bernard Chartreux
lumières
Alain Poisson

©Christophe Raynaud de Lage / Festival d'Avignon

    En 2006, le metteur en scène italien Luca Ronconi, une des figures majeures du théâtre italien depuis les années 60 (aujourd'hui, il prépare des mise en scène de pièces de Jean-Luc Lagarce), met en scène des lectures de lettres écrites par trois anciens militants du Parti communiste italien, le PCI. Jean-Pierre Vincent a adapté ce spectacle dont il a fait une "mise en espace", créée au festival d'Avignon, puis jouée au Théâtre des Amandiers (Nanterre), et repris dans une commune de la Banlieue Sud où le "Silence des communiste" fait sens.

    Les sept lettres échangées par Vittorio Foa, Miriam Mafai et Alfredo Reichlin sont d'une finesse remarquable. Elles témoignent des désirs utopiques et des désillusions de militants italiens (qui ont donc une expérience différente de celle des militants français). Espérant une transformation de la société (et non une révolution), observant que l'alignement sur l'Union Soviétique les a empêchés de participer concrètement à la vie gouvernementale, donc de travailler pratiquement à cette transformation qu'ils souhaitaient, ils témoignent toujours de leur rêve d'un monde plus juste et plus libre. 

    La qualité du texte est fort bien transmis par les acteurs-lecteurs, et l'ensemble est très émouvant. Peut-être regrettons-nous qu'une théâtralisation plus forte n'ait pas été mise en jeu. 

J.-L. L.

Entretiens menés par Wajdi Mouawad 

avec

Lara Suyeux,
Oisin Stack,
Janaïna Suaudeau,
Anna Torralbo,
Aurélie Toucas,
Emmanuel Vérité

    Très bien reçu à Avignon cet été 2008, et acclamé à Malakoff, ce solo de Wajdi Mouawad est  difficile à  définir, car c'est une rencontre entre différents mondes. Il y a, bien sûr, celui de cet auteur libano-québécois que nous connaissons très bien en Banlieue Sud et à qui nous avons déjà consacré  un gros dossier. On y retrouve ses thèmes : le Liban et la guerre, l'exil, les interrogations sur l'identité, les jeux sur l'espace et le temps. 

     Mais il y a aussi, en arrière plan, les références à Robert Lepage, son aîné, le célèbre auteur et metteur en scène québécois, souvent joué à Paris. Robert Lepage, star au Québec, est un virtuose de la mise en scène. Il a crée et animé une vaste fresque avec de nombreux acteurs : Les sept Branches de la Rivière Ota  (pièce présentée à Créteil, où l'histoire la plus tragique – de l'Holocauste à Hiroshima – est interrogée). Il joue aussi en solitaire – comme dans La Face cachée de la Lune, solo que nous avons vu à Chaillot en 2005 ; Lepage en a fait un film ; son personnage est censé y faire une thèse sur la conquète spatiale russe. L'art  de Lepage dans l'usage des décors mobiles, du son et de la vidéo est exceptionnel. Quand il est seul en scène, avec ses astucieuses machineries, Robert Lepage donne l'impression d'être une foule ! 

      Wajdi Mouawad crée le personnage d'Harwan,  étudiant exilé à Montréal, qui finit difficilement une thèse de doctorat sur les solos de Robert Lepage. Il a déjà écrit 1500 pages, mais il lui manque l'essentiel, la conclusion qui ne peut venir que d'un nouvel entretien avec le metteur en scène-vedette, inacessible et  toujours à l'autre bout du monde.  Son très attentif directeur de recherche l'encourage à retrouver Lepage en Russie (voir le paragraphe précédent) au moment où le père d'Harwan l'attend pour une visite prévue. Les contradictions entre ses préoccupations intellectuelles, les nécessités professionnelles et les obligations familiales conduisent Harwan à plonger dans un monde introspectif explosif que nous ne décrirons pas ici. 

      Mouawad ne manque pas d'idées, et il mêle plusieurs sources d'inspiration avec beaucoup d'ambiguités. Ainsi, il est impossible de savoir quel rapport il entretient avec Robert Lepage, son glorieux aîné avec lequel il rivalise maintenant : admiration envers un maître ? ironie envers une star ? complicité envers un confrère ? Sans doute un peu de tout cela. Mouawad a imaginé une situation complexe qui lui permet aussi de parler de ses relations avec sa famille, en particulier avec son père : amour qui a du mal s'exprimer ? exaspération devant un chef de tribu abusif ? On peut donner une citation qui n'éclaire que bien partiellement la situation, mais qui donne aussi le ton des monologues du héros  : 

     Wajdi Mouawad est donc aux prises avec l'aura de son glorieux aîné et avec la difficulté d'être d'un exilé, mais c'est aussi un « artiste contemporain » qui affronte différentes formes d'art – ou s'amuse à affronter ? je trouve qu'il y a beaucoup d'ironie, ou d'humour dans cette pièce ! Tout d'abord, pour la première fois, nous le voyons jouer sur scène, et il est seul, comme Lepage dans ses solos. Comme celui-ci, il utilise astucieusement la vidéo (pastiche ? hommage ? comment savoir ?), il se sert (toujours astucieusement) des sons et des décors mobiles. Mais il fait aussi une satire des moeurs universitaires – des doctorants feraient-ils, déjà, des thèses sur ce jeune  metteur en scène (40 ans) ? Il réalise à lui tout seul ce que, dans  « l'art contemporain » on appelle des « performances », du « body art  » (ou « art corporel »), du « dripping  » (manière de peindre de Pollock), quoi d'autres ? Mouawad veut-il prouver qu'il peut tout faire ? Et bien, oui, il peut. En prime il sait aussi bien nous faire rire que nous faire pleurer.

Jean-Louis Lambert

Au Théâtre Firmin Gémier

Antony

du 18 au 30 novembre 2008

Il y a eu de nombreuses « avant-gardes » en France dans les années 60. Celle à laquelle a appartenu Georges Perec est particulière : ce membre actif de l'OULIPO s'imposait des  « contraintes » pour pouvoir donner libre cours à son imagination créatrice. Dans La Disparition, il n'utilisait pas la lettre la plus fréquente en français (laquelle ?). Les contraintes étaient souvent d'ordre arithmétique, comme cela apparaissait souvent dans les jeux littéraires de l'OULIPO ; l'un de ses membres fondateurs ne fut-il pas Raymond Queneau, écrivain, poète, encyclopédiste et mathématicien amateur ?  Le nom de Queneau n'apparaît pas au hasard dans cette chronique, car il y a un petit côté « exercices de style » dans cette « Augmentation ».  Cette pièce nous rappelle  les jeux avec les clichés du langage comme le pratiquaient les auteurs du théâtre de l'absurde ; elle nous fait ainsi penser  à Eugène Ionesco, l'auteur de La Cantatrice chauve et de La Leçon jouées depuis 1957 à La Huchette, dans des mises en scène de Nicolas Bataille et de Marcel Cuvelier. Or, c'est justement Marcel Cuvelier qui a créé cette pièce de Pérec en 1970. Une adhérente des Amis du Théâtre  Firmin Gémier se rappelle d'une reprise de cette pièce par Cuvelier : dans son souvenir, les six personnages étaient alignés sur le devant de la scène et énonçait le texte de Pérec de façon mécanique.

Nous n'attendons rien de « mécanique » de la part d'Anne-Laure Liégeois, dont nous avions tant apprécié le Dom Juan de Molière en 2005 au TFG.  Ni rien de conventionnel. Il n'y a donc rien d'étonnnant à ce que nous soyons surpris ! Sa mise en scène débute par une série de sketches muets montrant deux employés n'arrivant pas à traverser le palier qui les aménera au bureau du chef de service auquel ils doivent présenter courageusement leur demande d'augmentation. Sketches séparés par des plages de cette chose devenue rarissime : le silence.  La mise en scène exploite une veine burlesque qui tiendra la distance de toute la pièce. Elle s'appuie sur les capacités physiques et comiques de ses deux acteurs, Olivier Dutilloy et Anne Girouard qui montrent un engagement total dans ce jeu complexe : faire rire avec le tragique quotidien. Au fait, n'est-ce pas ce que faisait Beckett dans ses tragédies modernes jouées par des clowns ? Pérec est l'un des rares auteurs de la seconde moitié du vingtième siècle qui soit devenu un «classique moderne». Face à cette mise en scène qui réinvente une autre façon de jouer ce texte, on voit bien ce que l'on a perdu quand cet auteur est mort précocement  (à 46 ans) en 1982.

    Le texte est énoncé par deux (et non six) personnages : un homme et une femme, employés de bureau à la fois coincés dans leur rôle hiérarchique (bas) et désireux de séduire. Ceux qui ont été formés à l'informatique,  voient bien qu'une des structures formelles de ce texte, c'est « l'organigramme » avec ses « test », ces « supposons », ces « oui ou non », ces jeux formels étant « parasités » par des « piques humaines », par exemple : « Vous demandez à votre chef de service si une de ses filles a la rougeole ¤ Il vous répondra par oui ou par non ¤ Supposons qu'il vous réponde oui », et dans ce cas, Pérec a la cruauté de ne pas examiner le cas « non » pour partir sur une grotesque histoire de « boutons rouges sur la figure »  qui n'a (normalement) rien à faire dans une histoire de demande d'augmentation.  Les parasitages « humains » de cette histoire très mécanique nous invite à nous interroger sur le rôle des clichés dans notre langage quotidien, et dans son utilisation au théâtre. 

   Si les Oulipiens avaient souvent une culture, ou un intérêt, pour les sciences mathématiques, n'oublions pas que Pérec était un disciple du grand sociologue Jean Duvignaud (la sociologie était la discipline reine des années soixante), et cette sociologie était très branchée sur la critique des systèmes hiérarchiques. Le premier roman de Pérec témoignait déjà de cet intérêt pour la critique de la société : Les Choses (Prix Renaudot  1965), chef d'oeuvre qui voyait déjà tout de notre société de consommation.  Dans cette Augmentation, Pérec s'en donne à coeur joie pour donner un portrait satirique de cette « Entreprise », « Organisation », « Société », ce « Consortium »,   « Trust » qui emploie ces pions deshumanisés que sont ses employés. Pérec joue avec les phrases toutes faites, avec les clichés qu'il pulvérise par ses jeux de langage : une phrase très stylée passe brutalement à l'argot ; on s'intéresse brusquement à la vie privée de gens qui ne devraient être que des éléments anonymes d'une société. Cela justifie la mise en scène d'Anne-Laure Liégeois : ce texte pourrait être mis en scène de façon très abstraite, mais ici il est question d'homme(s) et de femme(s) dans toute leur présence physique. Au lieu de six numéros abstraits (c'est comme ça qu'ils apparaissent dans le texte imprimé), c'est un couple prisonnier des convenances et des apparences qui surgit d'abord, et petit à petit la vraie vie charnelle reprend sa place, avec une virulence et un comique qui laissent pantois : ce n'est pas tous les jours qu'on voit des acteurs s'engager dans une telle expérience avec cette énergie, mais cela n'étonne pas dans une mise en scène d'Anne-Laure Liégeois. Gros succès dans le public, en particulier chez les jeunes.  

J.-L. L.